UA-33054146-1
Ваш браузер устарел. Рекомендуем обновить его до последней версии.

На сайте представлена только часть картин и художников. В галерее, можно ознакомиться с большим количеством работ.

Содержание

Сальвадор Дали

 Минувшее столетие подарило миру несколько загадочных гениев. И в этом списке почетное место занимает Сальвадор Дали. Он ровесник века и человек, чей многогранный талант во многом повлиял на развитие мировой культуры и искусства.

 Испанский живописец, виднейший представитель сюрреализма. Его картины и рисунки, отмеченные безудержной фантазией и виртуозной техникой исполнения, представляют собой фантасмагории, в которых самым противоестественным ситуациям и сочетаниям предметов придана видимая достоверность и убедительность.

Родился 11 мая 1904 года в Каталонии. Рисовать стал с юности. В 1924-1926 учится в Мадридской академии Сан-Фернандо, увлекается идеями анархизма, интересуется современными французскими мастерами, прежде всего символистами, а затем фовистами, кубистами и футуристами(П. Пикассо, Ж. Брак, Ф. Пикабия, Х. Грис, К. Карра), работает в их манере. Дружит с Гарсией Лоркой, Р. Альберти, Д. Олонсо, Л. Бунюэлем. Пропагандирует в Каталонии концепции нового искусства, пишет первые манифесты и теоретические эссе. Одновременно изучает живопись старых мастеров; его работы, исполненные в манере «магической вещественности» («Девушка, стоящая у окна», 1925, Испанский музей современного искусства, Мадрид), навеяны впечатлениями от картин Сурбарана и Вермера Делфтского.

В 1928 переезжает в Париж, в 1929 встречает свою будущую жену — Гала (Елена Дьяконова), ставшую постоянной моделью его картин. Дали сближается с сюрреалистической группой А. Бретона. Участвует в создании фильма «Андалузский пес», вызывающего благодаря монтажу ассоциации, полные гротескного абсурда. Как некие кадры несостоявшегося фильма, запечатлевающие мир снов и галлюцинаций, воспринимаются такие произведения Дали, как «Великий мастурбатор» (1929, частное собрание), «

Раскрашенные удовольствия» (1929, частное собрание, хранящееся в музее современного искусства, Нью-Йорк), цикл работ, посвященный В. Теллю, вариации на тему картин Ф. Милле и другие. Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществленными желаниями, игрой воображения, Дали стремится объективировать видения (метод «паранойи»), дать тотальное описание безумия. В навязчиво иллюзионистической манере, призванной убедить зрителя в реальности бредового мира, Дали с необыкновенно изощренной фантазией совмещает объекты совершенно разнородные, сталкивает их друг с другом в противоестественных ситуациях. Знамениты образы Дали: расплавившиеся часы, телефон-аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий словно драпировка, и другие. Использует он и прием «исчезающих образов», которые как бы растворяются в окружающем пространстве. Популярность художника растет, выставки устраиваются одна за другой. Страх перед непознаваемой действительностью отразился в картинах «Постоянство памяти» (1931,музее современного искусства, Нью-Йорк ), «Пылающий жираф» (1935, Публичное художественное собрание «Базель»). В работах «Предчувствие гражданской войны в Испании» (1936, собрание Аренсберг, Музей изящных искусств, Филадельфия) и «Осенний каннибализм» (1936,

галерея Тейт, Лондон) представлены ужасающие мутанты, уничтожающие друг друга. В 1930-х гг., помимо живописи, Сальвадор Дали изготовляет многочисленные сюрреалистические объекты (жакет, обшитый стаканами, манекены у рояля и в такси, гипсовые муляжи, варварски раскрашенные или перетянутые веревками); сам он насчитывал до двенадцати возможных манипуляций с готовыми 

предметами. Вскоре Дали ссорится с Бретоном, порывает с парижской группировкой сюрреалистов, объявив себя истинным представителем этого движения. В 1940 уезжает в США. Среди известных картин этого времени — "Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения"(1944, собрание Тиссен-Борнемица, Лугано) — своеобразная иллюстрация к фрейдизму. Дань атомной «моде» отдана в 

таких композициях, как «Атомная Леда» (1947) и в попытке создать Институт по изучению атомной бомбы в отношении искусства.

 В 1948 возвращается в родной Фигуэрас, хотя временами наезжает в США. Он все более проникается идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для таких его картин 1950-х гг., как "Мадонна порта Льигат" (1949, Общественный институт изящных искусств, Милуоки),"Христос св Иоанна на кресте" (1951, Художественный музей, Глазго), "Тайная вечеря"(1955, Национальная галерея искусств, Вашингтон), "Открытие Америки, или мечта Христофора Колумба"(1958-1959, Музей С. Дали, Сент-Питерберг, Флорида).В последние годы Дали часто обращается к фотографии. Он читает лекции, выпускает книги, посвященные себе и своему искусству, в которых безудержно восхваляет свой талант («Дневник одного гения», «Дали по Дали», «Золотая книга Дали», «Секретная жизнь Сальвадора Дали»). Он всегда отличался причудливой манерой поведения, постоянно меняя экстравагантные костюмы и фасон усов. В 1974, вложив все свои средства, Сальвадор Дали строит Театр-музей Дали в Фигуэрасе — здание фантастической архитектуры, наполненное картинами и объектами художника. Он и погиб здесь во время пожара, пребывая в полном одиночестве и не желая покинуть дом.

Великий Рафаэль (Rafaello Santi)

 Даже человек далекий от искусства, даже человек малообразованный, человек никогда не бывавший в музеях и картинных галереях знает великого художника эпохи возрождения Рафаэля. Между тем, этого живописца и архитектора так же можно называть Рафаэлло Санцио, в зависимости от прочтения, это имя есть синонимом имени Рафаэль Санти. Дата рождения у Раэфаэля так же не однозначна: по одним данным 26, а по другим 28 марта1483 года.

 Рафаэль стремился воплотить в своей живописи идеалы Высокого Возрождения, о человеке, который является идеалом и живет в гармонии с идеальном миром. Родившись и прожив детство в Умбрино, Рафаэль затем переехал в Перуджу, где начал свое обучение живописи. Затем был переезд во Флоренцию и знакомство с работами и техникой Леонардо да Винчи. Это дало толчок к изучению Рафаэлем анатомии, механики движений живых тел, сложных поз… После этого появляются на свет картины, где главные герои приобретают взволнованные движения, необыкновенные позы (“Положение во гроб”, “Святая Екатерина Александрийская”). После этих картин, Рафаэль стает известен на всю Италию и Папа Юлий 2-й приглашает его работать в главных храмах Ватикана и Италии.

Подобно голландцу Рембрандту, Рафаэль быстро растет в мастерстве изображения объема и светотени, особенно это заметно на ночном сюжете картины “Чудесное изведение апостола Петра из темницы”.  Как архитектор, Рафаэль некоторое время руководил строительством собора Святого Петра. Однной из самых ярких и мастерских работ художника, является роспись сводов капеллы Киджи. Рафаэль брал от лучших художников самое лучшее и идеально использовал весь опыт мастеров прошлого для создания своих сюжетов. Зная чувство меры, баланса гармонии во всем, работы Рафаэля не «кричат», но отвести взгляд от них невозможно. Он идеально владел линией, умел мастерски выделять композиционные центры. Художники-классицисты жившие после Рафаэля, считали его лучшим в живописи.

 Рафаэль учился очень быстро и очень быстро достиг высот, но жизнь его так же длилась не долго. Умер Рафаэль Санти в возрасте 37 лет, в Риме.

Виктор Михайлович Васнецов-сказочник в живописи.

Говоря о когорте лучших живописцев нельзя не вспомнить о замечательном русском художнике Викторе Михайловиче Васнецове. Этот автор очень разнообразен. Начиная с бытовых сюжетов на своих полотнах, к концу жизни Виктор Михайлович писал на религиозную тематику, а вот на пути от начала до конца было великое множество экспериментов… Герои сказок, исторические личности, монументальная живопись и даже попытки уйти в несуществующий еще тогда стиль живописи, который впоследствии2  назвали модерном. Как художник, Васнецов был полон идей и русского духа на протяжении всей жизни.

Родился живописец 15 мая 1848 года, в селе Лопьял (Вятская губерния, а теперь Кировская область) у священника Михаила Васильевича Васнецова. Раннее обучение в духовных школах и уроки рисования тамошних учителей не могли не сказаться на последующей карьере художника.

Далее были Санкт-Петербуржские художественные школы и с 1869 года выставки на Западе. В начале 20-го века, Виктор Михайлович был активным общественным деятелем, который отстаивал права художников и монархию в России. Умер Виктор Васнецов 23 июля 1926 года.

Каземир Северинович Малевич

Картина «Черный квадрат» во всем мире является, скорее всего, самой знаменитой работой отечественных художников. При упоминании этих двух слов в памяти неизменно всплывает не геометрическая фигура, а именно картина Казимира Малевича с этой фигурой. «Черный квадрат», конечно же, выдающаяся философская работа, но Малевич создал еще множество картин и даже течение в живописи называемое Супрематизм.

Авангардист Казимир Северинович Малевич родился в 1879 году в Киеве. По долгу службы отца, семья Малевичей частенько переезжала с место на место по всей Украине, но все же основной дом всегда был на окраине Киева. В детстве Казимир впервые увидел картину на витрине магазина, на ней была изображена девушка, чистящая картошку. В 15 лет мама подарила набор красок и после этого Казимир практически всю свою жизнь посвятил живописи. В 17 поступил в Киевскую Рисовальную школу, в 25 уехал в Москву на обучение.

Парадокс советской власти заключался в том, что после небольшого показа своих картин на Малевича начались гонения с обвинениями, что он мистик и формалист. Все его работы неизменно воспринимались острее, чем просто негативно. Малевича увольняли с работы, закрывали институт, где он был директором, наконец, заставили художника покинуть Москву и вернутся в Киев, где его так же не принимали официальные власти. Осенью 1930 художник провел почти месяц в тюрьме, потому что НКВД увидело в нем «германского шпиона». Социальная изоляция привели Казимира Малевича к бедности и смерти в возрасте 56-ти лет (Ленинград, 15 мая 1935 года).

Виллем Хайераетс

Хочу написать об одном голландском современном художнике, который пишет замечательные акварели. Его имя довольно сложно воспроизвести на русском языке (по крайней мере, для меня), поэтом я буду называть его Willem Haenraets.

Художник родился в 1940-м году. Родился именно художник, потом как с детства учился рисовать и в 16 лет поступил в Академию Искусств. Поле окончания учебы, Willem уехал в Париж и работал там не покладая рук над своими портретами. Быстро стартовал и быстро набрал популярность. Парижские салоны с радостью экспонировали работы Willem Haenraets.

Воздушные, романтичные и мягкие акварели Haenraets не могут не нравится. Это настоящее искусство.

Эдвард Мунк

На заднем дворе загородного имения Эдварда Мунка на юге Норвегии археологи обнаружили личные вещи известного художника-символиста.
Первое, что предстало взору исследователей в ходе раскопок, был кобальтовый синий цвет: сгустки насыщенного цвета и запачканные тюбики красок. С каждой последующей находкой археологи буквально приоткрывали завесу тайны жизни художника.
Миллиардер Петтер Олсен, семья которого когда-то жила по соседству с Мунком, стал инициатором раскопок после приобретения собственности в 2009 году.
«Мы искали наружные студии, которые были давно потеряны. Они исчезли, сгнили, но мы знали, что были места, где он работал на открытом воздухе», – пояснил Олсен, бывший владелец пастельной версии «Крика», проданного почти за $ 120 млн. в прошлом году на аукционе Sotheby` s.
По словам Олсена, его родители своими глазами видели четыре наружные студии художника, где повсюду были разбросаны полотна. Мунк не заботился о том, чтобы запереть их.
Теперь личные вещи художника экспонируются на выставке во временной галерее на сайте. Кроме того, 23 сентября в галерее открылась художественная выставка «Эдвард Мунк возвращается в Рамме: 100 лет после взятия Берлина». Это шоу воссоздает выставку работ Мунка в 1913 году в Берлине и является частью мероприятий, посвященных празднованию 150-летия художника в Норвегии.
Полностью восстановленные дом и новый комплекс музея планируется открыть в конце текущего года в Ramme Gaarde.
«В 1910 году Мунк был подавлен и злоупотреблял алкоголем, когда нашел умиротворение в этой сельской местности. Это немедленно сказалось на искусстве художника в этот и последующие периоды его творчества», – говорит искусствовед Инна Йоханнсен (Ina Johannese).
«Мунка называют современным мастером души, но именно здесь он полностью раскрылся, впервые взглянув на пейзаж, свет», – сказала Йоханнсен, добавив, что в настоящее время рабочая группа пытается определить точные места расположения художника во время работы над отдельными полотнами.
Команда исследователей также изучает интерьер дома живописца для проникновения в суть его работ. По мнению Йоханнсен, не исключено, что автопортрет художника с желтыми стенами был написан в гостиной его имения.
Посетители выставки смогут погрузиться в среду Мунка, так как музей будет включать в себя также и уникальный отель. Но пока что первые находки должны быть каталогизированы и проанализированы. Кьяртан Фонстилиен (Kjartan Fonstelien), руководитель археологической экспедиции, признает, что он больше привык к артефактам эпохи Викингов. «Это первый раз, когда мы обнаруживаем нечто принадлежащее художнику», – говорит Фонстилиен.
По словам Йоханнсен, это очень кропотливый труд, и самое важное – расставить все находки в правильном контексте и временном отрезке. Такое глубокое проникновение в жизнь и творчество художника, по ее словам, создает своеобразную близость с художником. «Вы уже способны разглядеть человека за полотном», – говорит она.

 

 

 

 

 

                                                 Загадочная улыбка Моны Лизы

Вот такое интересное предположение высказал вчера искусствовед Сильвио Винченти

Любители искусства на протяжении веков обсуждают причину ее загадочной улыбкой.

Теперь, похоже, улыбка Мона Лизы ясна. Эта хитрая улыбка скрывает МУЖЧИНУ.
Искусствовед исследовал жизнь и шедевр Леонардо да Винчи и с уверенностью заявил, что это одна из муз художника, молодой человек по имени Жан Джакомо Карпотти, чей нос, рот, глаза и формы лица, и есть Мона Лиза.
Карпотти, который был также известен как Салай, был учеником у мастера в течение двух десятилетий, начиная с 1490, и в это время начали ходить слухи, что они не просто учитель и ученик, а любовники.
Некоторые эксперт

ы уже предлагали, что Леонардо мог взять за основу своё лицо, но новое предположение кажется более правдивым.
Сильвано Винченти, также нашел ту самую «S» в глазе Мона Лизы, что опять же указывает на Салая.
Некоторые из работ Ле
 онардо, как говорят, брали за основу образ Салая.
Г-н Винчети, президент Национального комитета Италии по культурному наследию, сказал, что картина изображает стройного, изнеженного молодого человека и что лицо Салая идентично Моне Лизе.
Большинство экспертов уверены, что моделью для Моны Лизы, которая висит в Лувре в Париже, была Лиза Жерардини, 24-летняя жена богатого флорентийского купца.
Говорят Леонардо начал писать ее в 1503 году. Но г-н Винчети утверждает, что он, возможно, картина была начата в конце 1490ых, в Милане.
Его заявление вызвало переполох в мире искусства. Многие утверждают, что теория не обоснована.
Профессор Политехнического университета Милана говорит: «Все образы Леонардо похожи друг на друга, потому что они представляют собой абстрактный идеал красоты. Все они имеют и мужские и женские черты.»
И не искусствовед, но считаю, что теория правдива. Ну больно похож Салай на Мону Лизу.

 

 

 

 

А знаете ли вы, что возникновение импрессионизма в живописи во многом связано с новыми техническими возможностями. Чтобы зафиксировать на полотнах свои впечатления и игру света, художники должны были рисовать вне стен мастерской, на пленэре. Но до середины XIX в. художникам было очень сложно выйти с масляными красками на улицу, т.к. краски хранились в мешочках, сделанных из свиных мочевых пузырей. Этот тонкий материал нарезали на квадраты, в центр которых клали влажную краску, делая небольшие свертки. Чтобы выдавить краску на палитру, нужно было проколоть сверток, а потом снова заделать место прокола; краска быстро высыхала. Только в 1842 году американский портретист Джон Гофф Рэнд изобрел, а через год получил патент на изобретение прочных оловянных тюбиков для масляных красок. Без портативного ящика с красками в таких тюбиках, наверное, не состоялись бы ни Сезанн, ни Моне, ни Сислей, ни Писсаро.

 

 

 Кто нарисовал обнажённую версию Моны Лизы?

Одним из студентов Леонардо да Винчи был юноша по имени Салаи. Многие искусствоведы уверены, что именно он был моделью для картин Леонардо «Иоанн Креститель» и «Бахус». Существуют также версии, что переодетый в женское платье Салаи послужил образом самой Моны Лизы, и что между учеником и учителем была интимная связь. Работы самого Салаи мало известны, одной из них является обнажённая версия Джоконды под названием «Монна Ванна».

 

 

 

 

 

 

 

А знаете ли вы, что в 1961 году, картина Анри Матисса «Лодка» (Le Bateau), выставленная в Нью-йоркском Музее современного искусства, провисела вверх ногами сорок семь дней. Картину вывесили в галерее 17 октября, и лишь 3 декабря кто-то увидел ошибку. Мимо картины за это время успело пройти около 116 000 человек.

На нашем рисунке картина изображена в правильном положении.

О натюрморте в живописи

Натюрморты – это один из основных жанров живописи, как современной, так и классической. Наверное, это объясняется тем, что для натюрморта всегда найдется терпеливые «модели» и художник использует это для совершенствования своей техники.
Сейчас современное искусство так же питает интерес к натюрморту, но уже не живописному, а рекламному. Фотографии предметов жизненно необходимы для продвижения товаров. Но художники по прежнему рисуют натюрморты в процессе обучения.
Для меня натюрморт – это не просто набор предметов. Это целый композиционный разговор предметов между собой и между ними и зрителем.
Ниже представлены работы известных художников.

"Мягкий материал" - уголь, сепия, соус, сангина, мел и т.д. 
Техника рисунка "мягким материалом" имеет свои особенности и нюансы ,отличные от рисунка карандашом.
Материалы более пластичны, подвижны ( т.е. одновременно более быстрое покрытие больших плоскостей , тонировка). Сложнее поддаются стиранию ластиком , поэтому требуют точного рисунка - твердой руки ,уверенной линии.
МАТЕРИАЛЫ: (рис.1) брусок ( угля, сепии, сангины и т.д.) , карнадаш ( в пару выбранному материалу - сейчас продаются угольные карандаши , карандаш сепия и т.д.) , мягкий ластик .
кисть - плоская синтетика, белка - большая ( №№20-30) ( для смахивания тона и мягкой растушевки)
БУМАГА: для "мягкого" материала обычный ватман можно. Но лучше ложится тон на пастельную бумагу (плотная зернистая поверхность). Чаще используют тонированную бумагу разных оттенков (в таком случае работа будет выглядеть выигрышно). Тон бумаги подбирается в зависимости от задумки композиции, натуры и в первую очередь материала выполнения! ( т.е. - для сангины темные тона бумаги не подходят , она смотрится на светлых фонах - от белой молочной до охры ( хорошо подходит крафт) , при угле на темном фоне в пару хорош мел и т.д.) 

ТЕХНИКА: очень разнообразна. И лучше всего попробовать все на набросках, чтобы понять, что вам ближе.                                                                                         Плоскостью бруска - большие плоскости и равномерный тон. (рис.2 и рис.3).     Ребром - темная , плотная линия. (рис.4).                                                               Карандаш - штрих. ( аналогичный карандашу) (рис.5)                                                Кисть - растушевка кистью нанесенный плоскостью тон и рисунок по получившемуся темному тону ластиком. (рис.5)

Рисунок "мягким материалом" может быть линейным ( линия ребром) , тоновым ( растушевка - часто применяется в графике и подготовке к живописи) , иллюзорным ( реальным ,академическим) ( совмещение рисунка бруском -оба варианта ,карандашом для максимальной передачи "фактуры" натуры)
РИСУНОК: материал требует порой "моментального" подхода плохо удаляется с листа ( т.е. несколько раз перерисовать не получится) - но рисунок сохраняет все законы перспективы ,построения и светотени!
Одна из самых распространенных ошибок - потеря цельности в тоне. Поскольку часто рисунок углем ( или другим материалом) акцентируется на светотени очень важно следить чтобы изображение "не дробилось"!
Для хорошо поставленного рисунка "мягким материалом" обязательно нужна практика набросков!